L'art de croire             竹下節子ブログ

カテゴリ:音楽( 84 )

フランス・バロック弾きが現代曲と出会ったこと

ニテティスのブログに、山陽小野田での写真を少し入れました。田村洋さんが魚眼レンズで撮ってくださったものです。


来年はフランスで田村さん、師井さんといっしょにコラボできるようにまた企画するつもりです。
思えば、私たちが現代曲を世界初演で演奏するなんて不思議なご縁でした。

田村さんのオリエンタルダンスのイメージは暗闇から戦士が現れるようなものもあり、バリ島のダンスやら日本の暗黒舞踏などと通ずるものがあるようです。

瞑想的な植物的なイメージで弾いていた私たちは、田村さんの意図をうかがって焦りましたが、踊る体をリズムが大切であること、は、バロック舞曲と同じなので、少しは田村さんの表現に近づいたかと思います。

三年前は子供のためのコンサートだけしか聴いてもらえませんでしたが、今回のラモーをすばらしいと言っていただいて安心しました。

帰仏早々またフランス・バロックにどっぷり浸かっているいる私たちですが、現代曲との出合いの経験は貴重なものだったとあらためて感謝です。




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by mariastella | 2017-11-13 01:11 | 音楽

メヌエットをどう弾くか

フランス風の舞曲からなる「組曲」について、「舞曲」とはいっても実はその形式を借りているだけで各作曲家はそこで自分の語りたいことを奏でているのだから、実際にダンサーと共演するパフォーマンスでならともかく、コンサートピースとしての舞曲は踊ることを前提にして演奏される必要はない、そうするべきだとするのは、原理主義的な意見だ、と最近言われた。


私も昔からそういうことを耳にしていた。

バッハの無伴奏チェロ組曲など、ダンス曲の名前がついているけれどダンサーのための曲でなくまったくピュアなコンサートピースだとか、フランス・バロックのオペラ・バレエの曲でも、管弦楽でやる時はバレエ曲として弾くがチェンバロのヴァージョンではバレエのステップを前提とした制約を無視して別の独立したコンサート曲として弾くようにというような話だ。アメリカで数人のチェンバロの師に学んだチェンバロ奏者もそう話していた。(その方は、フランスでレッスンをうけてまさにカルチャー・ショックだと衝撃を受けたという)


ところが、フランス・バロックと名のつく曲は、どんな曲でも、ダンスと朗誦とを前提としていないと弾けない。それは、べつに、作られた時がそうだったから、それに忠実に弾かなくてはいけないという「原理主義」ではない。それがないと魂が抜け落ちる。


確かに、1970代にバロック音楽の研究が進んだ時には、まさにバロック・バレエの振り付け譜の解読から実はどのように弾かれていたのかが解明されたという経緯がある。

ベートーヴェンやモーツァルトは、たとえ伝言ゲームみたいに変化することはあっても、一応、彼らの生前から演奏されてきたのを聴いた人たちが次々と継承していったのだけれど、フランス・バロックのほとんどは、いったん完全に途切れた。

ドイツ=イタリア系音楽に席巻されたからだ。その理由などは『バロック音楽はなぜ癒すのか』に書いたことがある。


バレエの振付譜によって、体重の移動やバランスを助けるための附点の強調や装飾音のタイミングが分かってきた。それは画期的な発見だった。


当時のバロック奏者はほとんど未知の世界への冒険家だった。


でも、それが、「古楽器を使った古楽演奏」という妙な選民意識の醸成にもつながった。

21世紀にはそういう「原理主義者」が増えたのは確かだ。


私たちのトリオは、フランス・バロックの魅力を最もよく表現できるものとしてカスタマイズしたクラシックギターを使っている。古楽原理主義とは程遠い。ラモーに聴かせてあげたいといつも思う。

で、これも先に述べた本に書いたのだが、18世紀前半から中盤にかけて最高に洗練されたフランス・バロックの舞曲というのは、別にフランスでフランス人が作曲した曲というわけではない。当時、たとえば同じ作曲家がフランス組曲とイタリア組曲と別々に作曲していたように、一つの形式なのだ。それはバロック・バレエのステップを前提とした形式にほかならない。

バッハは16歳の時、つまり18世紀に入ったか入らないかの頃に、ドイツで舞曲をフランス語で学んでいる。子供たちともいっしょによく踊った。バッハの舞曲はほぼすべて、正統的なフランス・バロック・バレーの文法とステレオタイプを備えている。

当時の多くの作曲家がそうであったように、バッハは舞曲を作曲する時は確実にフランス・バロックの様式とエスプリで臨んでいるので、「形式だけ借りている」というわけではない。

踊る体の感覚を喚起するように作られている。

実際、友人のクリスティーヌ・ベイルが無伴奏チェロ組曲の第五番に振り付けて踊っているのを見ると、それがいかに「踊る」曲だったかということがよく分かる。


もっとも、数あるこの組曲の録音を聴くと、どのダンスでも、踊ることができるような演奏はほとんどない。みな速すぎる、ビブラートをかけて音を伸ばし過ぎるなど、まったくクラシックでロマンティックで思い入れたっぷりか名人芸の披露かというものだ。

私が一番共感したのは藤原真理さんの演奏だった。彼女ほどに弾きこめば、舞曲のエッセンスが自然に体得できるのだろう。

なぜバロック音楽が長い間ロマン派音楽のように弾かれていたのかには、いくつも理由がある。はっきりいって、フランス・バロックのエスプリがフランス革命によっていったん絶滅し、その後ナポレオン戦争によるヨーロッパ各地でナショナリズムが台頭し、ドイツのロマン派音楽がヘゲモニーを確立というのが一番大きい。

フランスだけは19世紀から20世紀にかけて、ナショナリズムにはいかずにエゾテリックな方向に行った。そしてフランス人は実は傲慢なくせになぜか自虐でいるのがよりエリートっぽいと思うらしく、フランスでも最も愛され、評価されたのが、ドイツ=イタリア系ロマン派音楽だった。「大バッハの発見と再評価」も完全にロマン派の文脈で起こった。

ショパンのポロネーズでポロネーズは踊れない、とか、モーツァルトの交響曲のメヌエットではメヌエットは踊れない、というのは事実だ。

それは彼らがすでにクラシックやロマン派のエスプリの作曲家だからで、彼らの時代にはもはやフランスのバロック・バレエはほぼ消滅していた。その後ロマンティック・バレエやロシアのクラシック・バレエへと進化するが音楽と体の関係はラディカルに変化する。

18世紀末以降のコンサートピースの中の「舞曲」には、最低限の形式以外にダンサーを想定するものは何もない。

でも、バッハは、ベートーヴェンやモーツァルトよりざっと100年近く前に生まれた人で、フランスのバロック・バレエを熟知していた。バッハの舞曲は踊る体を想定して書かれている。

日本からの帰りの飛行機の中で、オーディオ・サービスのクラシックの名曲というところに「メヌエット」というのがあった。「憩いのメヌエット」とあり、最初の解説で、「メヌエットはフランスに古くから伝わる優美な踊りです」と言われた。

実際のメヌエットは「憩い」でもなく「優美」を目指してもいず、空間にどのように動線を描いていくかという「移動」の単純ステップだ。でもステップのリズムが単純ではなく少しずつ体を揺さぶるようにできている。それを誘い出すように作られているし演奏しなければいけない。そうするとほんとうに気持ちがいい。

で、機内オーディオのメヌエットのセレクションが、ボッケリーニとバッハが二つと、モーツアルトの交響曲。フランスのものが一つもないのも象徴的だが、最後のモーツァルトがばりばりのドイツ・ロマン派風のカラヤンの指揮のものだというのにも驚いた。

踊れるメヌエットはもちろんひとつもなく、「憩い」となる「優美」なもので、まさに「解説」通りだった。

私はもう20年以上も音楽とバレエでフランス・バロック世界にいるのでもちろん「古楽器至上主義派」との対立や試行錯誤もあれば、常に新しい研究と発見の連続の中にいて、バロック音楽の世界も変化したなあ、と感慨を覚えるのだけれど、「『憩い』と『優美』なメヌエット」と言われていまだにカラヤンの指揮のものが流されるのが「普通」なのだと思うと、驚く。

帰りの機内、トリオの仲間は耳栓をして、ノートパソコンでラモーの複数のオペラ・バレエの総譜を延々と見ながら三台のギターによって弾かれる方がより美しいものをさらに20曲くらいピックアップしていた。

私たちはいつまでこの冒険を続けるのだろう。

ほんとうは、私たちの演奏を聴く側に回りたい。

弾きながら三人とも、いつも、そう思っている。


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by mariastella | 2017-11-05 04:26 | 音楽

日光で三味線を弾く

原宿に戻ったら、ハロウインの仮装をした若者たちにすれ違い、ニュースでは日本にハロウインはすっかり定着しました、などと言っていたけれど、日光や奥日光にはハロウインのかけらもなかった。

コンサートがすべて終わって、台風も去って、みんなで鬼怒川温泉へ。

まず、日光江戸村、ワンダーランドに行った。
平日なので人が少ない。

最初に入ったのがもちろん三味線のお稽古体験。

「さくら、さくら、やよいの空に」

という部分を、弦の番号と、押さえるフレットの位置を図解したものを見ながら教えてもらう。撥の持ち方と、弾き方も。

トリオのメンバーの2人もこのメロディーは知っているので、すぐに、

「見わたすかぎり」

も続けて弾いてしまったので、「お師匠さん」は目を丸くしていた。

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by mariastella | 2017-11-01 01:59 | 音楽

山陽小野田市のコンサート

山陽小野田市での第一回コンサート。中央図書館で。

なんと、フランスとフランス文化の展示までして下さっていた。
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田村洋さんのオリエンタルダンスを初演。

私たちは、いつもこの曲に癒されていたのでなんとなくヒーリング音楽風に弾いていたのだけれど、リハーサルで、田村さんに指揮していただいて、もっとアグレッシブに、アクセントを強調して弾くべきだと分かった。
クラシック・ギターのダンス曲にオリエンタルのものがないので挑戦されたので、確かに私たちの解釈は内省的過ぎた。もっとクリアーに、もっと歯切れよくというのが理解できた。
これをフランスで弾く時には来てくださるということなので、またいろいろなアイデアが浮かぶ。

帰りにはお知り合いの日本酒製造の蔵を見学させていただき、メンバーは、試飲させてもらって感激していた。山猿というお酒です。
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お土産にも持たせていただいたので、ホテルの夕食に、このコンサートに展示やインスタレーションでジョイントして下さった師井公二夫妻と味わいました。


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by mariastella | 2017-10-26 00:07 | 音楽

近況

日本に着いてから雨と寒さ、台風と総選挙のニュースとに振り回されて落ち着かなかった。ようやく台風も去り、大きな予定変更もなく、もうすぐ新幹線で厚狭に出発する。(これを書いているのは23日の朝)


フランスでもこの台風が報じられたらしく心配するメールをたくさんもらった。


トリオのメンバーも4度目の同じ時期の公演で初めての長雨と台風に目を丸くしていた。


選挙では沖縄のことが気になった。辺野古埋め立てやヘリ墜落の画像が映されるたびに胸がつまる。


22日は川口市の立派なリリアホールに「バッハとルター」というコンサートにご招待いただいた。さすが新国立劇場の合唱指揮者の三澤洋史さんだけあって、合唱のバランスは完璧だった。アマチュアコーラスが大人数だと音量がありすぎてまいってしまうことが多いのだが完全に三澤さんのカリスマに統制されている。


全体も、バッハやルターというより、三澤さんの信仰と祈りと音楽美学の結晶のようで、三澤さんからのプレゼントという感じだった。

私たちフランスバロック脳のメンバーとしては、管弦楽組曲が、カンタータと対照的な「宮廷音楽」として前座のように紹介されたのはちょっとフラストレーションだったけれど。


また、カンタータは、私は日本語の字幕を見て、メンバーのM はドイツ語を読み、Hが音楽に集中という立体的な聴き方をしたので興味深かった。

それにしても、こんなコンサートに参加する人のほとんどは経済的にも健康上にも問題なく、余裕のある人だと思う。

歌詞にあるような罪深い私に救いを、と必死に訴えるような強迫観念とは縁が薄いのでは、と思った。

正直、今の日本人がバッハをカルチャーとしている意味ってなんだろう、とさえちらりと思う。


バッハはフランスバロックもよく研究していたが、この組曲のフォルラーヌを聴けばわかるが、このダンスにも、アルト(ヴィオラ)で16分音符で埋め立てようという感覚は、フランス的洗練(文字どおり、洗い尽くして、本質だけを残す)には耐えられない構築強迫がある。バッハには「間」が耐えられない。


いつも言っているが、フランスバロックは「間」や「空(くう)」と、そこに軽やかに消えていく装飾音が命で、そういう「間」を味わう感性というのはむしろ日本人的である。


ドイツは連邦国で、今でも旧領邦国家間の確執がしっかり残る。

そしてプロテスタントの峻厳さが加わる。


それに比べて、実際はともかく「単一民族」幻想のある日本や、中央集権の「太陽王」幻想のあるフランスって、いわゆるハイコンテキスト、以心伝心の幻想もあって、ひたすら洗練させていく美、というのが成立する。フランスの宮廷文化は実は日本の町人文化と似ているのだ。


もちろんどの国ののどんな人でも、戦争やら生老病死の危機は免れないから、それこそいざという時には神仏に必死にすがる、という心情はユニヴァーサルではある。

でも、バッハのカンタータは決してユニヴァーサルではないと思う。


三澤さんの情熱にユニヴァーサルな訴求力があるのと、ルターとバッハのカンタータに普遍性が果たしてあるのか、というのは別のような気がする。


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by mariastella | 2017-10-24 00:05 | 音楽

ウィーンの話 その9 楽友協会と中国人観光客


アウグスティーナ教会での中国人に向けた「声を出すな、拍手もするな」というコメントに人種差別を感じて不快だったことを前の記事に書いた


ところが、その後で、楽友協会のコンサートに行った時のことだ。


楽友協会のゴールド・ホールといえば、ウィーンフィルの本拠地で、毎年のニューイヤーコンサートのヨハン・シュトラウス演奏で、超メジャーな「巡礼地」だ。

ウィーンフィルはバカンスだが、観光客のためにいろいろなコンサートがあり、私は18世紀のコスチュームで演奏するモーツアルト・オーケストラの公演に行った。古楽器ではない。

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バリトンとソプラノの歌手も一人ずついて、オペラの衣装を着て、「パパゲーノ」などを披露してくれる。

いわば「軒を貸している」だけだから、楽友協会のグッズが買えなくて、モーツアルト・オーケストラのグッズしか買えない。

それでもわくわくする。

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ところが…ここの中国人客の多さに驚いた。

明らかに団体ツアーと思われる人がたくさんいる。

左右のバルコン席には、小さい子供たちも鈴なりになっているのだ。


そして、席に着いたらすぐに、周りの中国人たちの撮影会の嬌声、

だけならまだいいが、私のすぐ後ろの数人の中国人がすごい大声で何かをまくしたてている。


連れが「彼らはきっと自分の畑のニンジンの収穫量を競っているのに違いない」とつぶやいた。


私は、野菜を栽培している人に偏見などないし(むしろ尊敬)、収穫量を競おうと別にかまわない。でも、その時に、その比喩が、あまりにもぴったりしていたのには笑えた。

どう考えても、ウィーンの話やモーツアルトの話や楽友協会の話をしていない。音楽の話もしていない。


撮影会をしている人たちからは「わあ、ここってやっぱりすてきねー」という雰囲気の言葉が聞えてくるし、華やいだ感じだ。


でも、私の後ろの男性たちは、周りも見ていないし、完全に自分たちの世界であたりかまわず大声で何かを張り合っているのだ。

それがトーンダウンせずに延々と続く。完全に騒音公害レベルだ。ショックだった。振り返ってその姿を見ると、派手なドラゴン模様のTシャツだった。

もちろん、ニューイヤーコンサートの着飾った紳士淑女たちというのは期待していないし別に望んでもいない。観光客レベルでいいのだ。私も観光客だから。

でも、これはひどすぎる。

結局、この人たちの大声の会話は、演奏開始ぎりぎりまで続き、演奏中にも声を発したのでそれはさすがに周囲から「シーッ」ととがめられて黙った。そして演奏が終わるとすぐに話の続きが始まる。

幕間もずっと同じ調子で、私は耐えられなくて席を外した。


オーケストラの方は、指揮者も歌手も含めて、サービス精神に富み、自分たちのやっていることが楽しくてしょうがないという感じのプロで、完全に満足できたので、この中国語の洪水というより爆撃のような状態には辟易して、ふと、アウグスティーナ教会の指揮者のコメントを思い出した。


彼が一度でもこういう環境で教会コンサートをする羽目になったことがあるなら、トラウマになることは大いに理解できる。(そういえば、パリのメトロの車両でも、中国人の団体が大声でノンストップでまくしたて続けるので降りてしまったという友達の話をきいたことがある。)


バルコンにいる子供たちの方は、演奏中も出たり入ったり、席を変わったりしている。大人たちが注意する様子はない。皆リラックスしている。


私の席からは遠いのでさすがに声や音は聞こえないのだけれど、カルチャーショックでできるだけ見ないようにした。演奏者たちは慣れているのかもしれないけれど、私なら自分が演奏する時に子供に動き回られると耐えられないと思う。


ひとつおもしろかったのは、子供の1人が、音楽に合わせて指揮を真似始めたことだ。7,8歳くらいの少年だが、ただの真似ではなく、音楽の流れをつかんで没頭している。席を立ち、手すりに乗り出して、全身で、振りが大きいので、もし私がそばの席にいたら迷惑で注意したかもしれないが、その子の周りもみな子連れのグループで誰も気にしていない。

で、完全に曲に入りきっている。リズムも先取りしている。

指揮者の大野和士さんが、3歳の時にテレビで指揮者の姿を見て指揮者になると決めた、とおっしゃっていたけれど、この子も未来の大指揮者かも。しかも、ウィーンの楽友協会でモーツアルトの音楽で指揮に目覚めるって、贅沢だ。

このコンサート、私の後ろの席の中国人や動き回る子供たちは別として、もちろんみなが、「雰囲気」を楽しみに来ている。

で、サービス精神あふれるこのオーケストラは、アンコールで、なんと、18世紀のコスチュームのまま、「美しき青きドナウ」を弾き始めた。観客席が嬉しい驚きで一気に盛り上がる空気が感じ取られ、一人一人の演奏者も幸せそうな笑顔になっている。

すごい拍手。

で、アンコール二曲目。

これもまた、ニューイヤーコンサートのラストでお約束のラデツキー行進曲だった。その日の午前中に王宮でラデツキー将軍の肖像画を見てきたところだったので、ますますウィーンっぽい。

で、これもお約束の手拍子。指揮者が時々振り向いて、上手に観客を誘導。最高に盛り上がる。すごい音。

私はわりと複雑な気分だった。


ニューイヤーコンサートの楽友協会ホールでシュトラウスを聴けたのだから、「観光客」としては最高だけれど、モーツアルトとシュトラウスではまったく違う。


そして私はもちろんモーツアルト派だ。


しかも、手拍子というポピュリズムに時として耐えられない。


去年パリのフィルハーモニーで2000人近い聴衆の前でこれも200人もの人数で軽快な曲を弾いたとき、指揮のジル・アパップがリハーサルで私たちに言ったのは、絶対に手拍子の音を聴いてはならないということだった。ホールの反響のせいで、手拍子は演奏者にとってわずかにずれて聞こえるからだ。つまり、聴衆は演奏家と一体になったつもりで手を叩いているけれど、演奏者は大音量になる手拍子には耳をかさずに、指揮者だけを見て弾かなければならない。

それだけではない。この雰囲気で、ウィーンは、やはり「シュトラウスのウィンナワルツの町」なのだと思い知らされた。モーツアルト・オーケストラの人たちも実はシュトラウスを弾いている時にこそ生き生きしているようではないか、日本人の演歌みたいなものではないか、と思った。

モーツアルトは確かにウィーン観光の目玉商品だから、みな演出にいろいろ工夫してはいるけれど、モーツアルトの生きた後期バロックのエスプリなぞ、本当は誰も分かっていないで、19世紀ロマン派音楽で上書きされてしまっているのではないだろうか。

ウィーンの人々にとって、モーツアルトは商売道具でシュトラウスが本音なのではないのか、と思ってしまった。


外に出たら、きれいな月が出ていた。



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向こうに見えるのは聖カルル(シャルル・ボロメ、カルロ・ボロメオ)教会(カールス教会)の丸屋根。これは18世紀前半の、バロック後期の美しい教会だ。私のレパートリーのフランス・バロック曲と時代がかぶる。
シュトラウスとは程遠い。

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楽友協会は1870年、シュトラウス時代ばりばりの建物だ。


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by mariastella | 2017-08-24 02:11 | 音楽

マラン・マレのオペラ『アルシオーヌ』

マラン・マレのオペラ『アルシオーヌ』をオペラ・コミックに観に行った。



指揮、音楽監督は、マラン・マレの音楽やヴィオラ・ダ・ガンバが日本にまで知られるきっかけになった『めぐり逢う朝』(アラン・コルノー監督)でガンバ曲の吹き替えをやったジョルディ・サバールだ。

ド・ラ・モットの台本、1706年、ロイヤル・アカデミーのために作られた典型的なフランス・バロック・オペラ。

風の神エオールの娘アルシーヌとの結婚式を迎えようとする王セイクスを3人が妨害する。アルシーヌを恋するぺレ(セクス王の親友)、セイクスが先祖の王座を奪ったと恨む魔術師フォルバス、魔女のイスメールだ。
宮殿は破壊され、地獄の光景が現れ、嵐、遭難、魔の力、バロック・オペラの要素満載だ。

舞台の演出によってだけではなく、オーケストレーションでそれを表現しようとした。ラモーで頂点に達する18世紀オペラの先駆と言える。嵐を描写した曲は特に18世紀好みで、宮廷の舞踏会でも何度も演奏されたという。


嵐の音楽。まったく古くないことが分かると思う。

でもオペラそのものは他のフランスバロック・オペラ同様、1771年以来上演されなくなった。ジョルディ・サバルは、このアルシオーヌのダンス曲を集めたCDをリリースしている。
どのダンス曲も、「受肉」していて、サバルがまずこのダンス曲のダィジェストに挑戦したのは正しい選択だったと思う。

「三一致の法則」などに則って地に足をつけた「戯曲」と違って観客を別世界に誘うエンタテインメントとして超自然の世界がデフォルトで表現されるバロック・オペラだが、ここではダンスや衣装やさまざまなからくり装置ではなく「サーカス」を使った肉体性と演技によって展開されている。

バロック・オペラとダンスの関係についてこれまでにもいろいろ書いてきた。

この記事を読むとその前のものもリンクされてくる。(長いので、興味のない人はスルーしてください)

で、簡単に言うと、Les arts Florissantsの演奏したダンス曲は「受肉したダンス曲」だったが、踊られるのではない「濃すぎる」ビジュアルが邪魔だった。

エルヴェ・ニッケの時は、ダンス曲がまるで「つなぎ」のようにさっさと平板に飛ばされていた。
今回は、ある意味でバランスは悪くない。

ダンス曲はラモーの先駆として肉体性を備えている。

ジョルディ・サバルの指揮はそれをよく生かしている。
楽器のバランスもすばらしい。

で、今やほとんどすべてのバロック・オペラで見られるように、登場人物のコスチュームはミニマムで現代的。

舞台装置はミニマムだが効果的で、紐、綱、ケーブル、ピアノ線などを駆使していろいろな効果を表すほか、裏のからくりの背景も見せる。

歌手も吊り上げられて空中で歌ったり大変だが、何よりもサーカスのアクロバットの4人が上へ下へ、あるいは大きく回転したり、体を自在に捻じ曲げたり逆さになったりするので、重力が感じられず、その意味で、音楽を損なわない。

後は、合唱のメンバーがものすごく巧い動きをしている。地獄のシーンの地を這い蠢く様子など、振付がすばらしいに尽きる。あの迫力ある演技をしながら歌うのだから大したものだ。

フランスのバロック・オペラの最初は、オペラ歌手とは「歌える役者」のことだった。
アルシオーヌとセイクス、ペレを歌うレア・ドゥサンドル、シリル・オヴィティ、マルク・モイヨンの演技も半端ではない。
その上に、台本がドラマティックだ。愛し合うカップルの姿がリアルで「ラ・ラ・ランドですか?」というくらいの近い距離感がある
同時に、ギリシャ悲劇やシェイクスピア劇のような生と死の実存的な問いまであって、客席が息をのんで静まり返る場面もある。
それとは対照的に、そこだけが室内楽に編曲されて王から何度も所望されたという嵐の曲や、誰からも愛される「水夫の行進」などは純粋に楽しませてくれる。

それでも、ジーグ、サラバンド、メヌエット、いろいろなダンス曲が出てくるたびに、せっかくダンサーもいるのにバロック・バレーが全くないのは物足りなかった。特に最後のシャコンヌ。ほんの少しだけダンスっぽい振付がある。バロック・バレーのアドヴァイスはカロリーヌ・デュクレだとプログラムにあった。懐かしい名前だ。

彼女とはパリでのコンサートで観客を誘って踊った時に、いっしょに見本を見せて踊ったことがある。
彼女はコンテンポラリーから来たダンサーで、最初に七区のコンセルヴァトワールでバロック・バレーを習いに来た時に私が上級クラスにいたのを知っている。そのせいか、もうバロック・バレーのプロとして踊るようになっていたのに私をほとんど先輩のように扱ってくれた。
そんなカロリーヌの存在を感じたのがシャコンヌの一部分の振付だけだった。その部分を見たせいでかえってシャコンヌは全部ダンスで見たかったとフラストレーションを感じた。

6月にはヴェルサイユでも上演されるという。もう一度行きたいくらいだけれどスケジュールの都合で多分無理だろう。



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by mariastella | 2017-05-09 06:41 | 音楽

テレマンの『ブロッケス受難曲』

今年の復活祭は最高だった。

聖週間にパリのフィルハーモニーでテレマンの『ブロッケス受難曲』を聴いたからだ。

フィルハーモニーは去年、ヴィオラでジル・アパップのコンサートに参加したから特別の感じがする。

すばらしかった。

演奏が終わったら聴衆がすべてキリスト教徒になっていた。
美は回心をもたらす。

今、この曲を演奏するのにピグマリオンの古楽器オーケストラは最高だと思う。
ひとつひとつの楽器の音がきれいに聞えてきて音響も独特だ。
オーボエの音色の美しさは際立っている。
フランスでは「キリンのクラヴサン」と呼ばれている縦型のチェンバロ、クラヴィツテリウムも珍しい。

このメンバーの演奏を、フランス語の字幕付きでこのシーズンに聴けるなんて至福だ。
日本で日本語の字幕でこの曲をこのレベルで聴く機会はあるのだろうか。
音楽の好きな日本の友人みんなが聴けるといいのに。

序曲に当たる部分はヴァィオリンやヴィオラも全員が立って演奏していた。
もう気分はオペラ。

バッハの受難曲のように福音書の語句を歌詞にしたものではなくてブロッケスは書き下ろしの台本だ。完全に当時のバロック・オペラの心性である。

バロック・オペラの悲劇にもいろいろと錯綜したストーリーがあるが、考えれば、イエスの受難劇ほど倒錯したものはちょっと考えられない。

この台本では、これでもかこれでもかとイエスの苦悩が語られているのだけれど、それに対して、聞き手は、「私たちの罪のせいでイエスが苦しむ」と罪悪感をかきたてられるとともに、そのイエスの苦しみによって罪が消えるのだから喜びでもあって、満足感が得られるという仕組みになる。
救い主の苦悩がそのまま救い、というわけで、イエスの受難がつらいほど喜びも大きくなる。

彼は苦しみの中で美しい、なんていう言葉も繰り返される。

ほとんどがアリアやレシタティフで楽器だけの曲は少ないのだけれど、たまに、明らかにダンス曲のモティーフがはいっていて甘美さが導入されるのもおもしろい。

曲の変わり目の「沈黙」の部分の静寂はまさに死のような凍り付いた「休止」で怖い。
普通は、音楽における休止は音楽の一部であって真空ではなく、音が満ちてきているか吸い込まれていっているかのどちらかなのだと生徒に教えている。
でも、この受難曲のアリアをつなぐ「沈黙」はほんとうに深淵というか、ぎっしりと無がうずいて肺腑を抉る。
「祈り」だと言いたいところだけれど、そんな能動的なものがはいる隙のない「絶望」なのだ。

この「絶望」はやはり「死」であり、復活祭とはイニシエーションなのだということがよく分かる。「キリストの信仰の中では永遠に生きる」などというが、真の「絶望」に打ちひしがれることでのみ捕らえることのできる光というものがあるのだと、新しい歌が始まる度にすがりたくなる。

「登場人物」が、地の文を語る福音史家、イエス、ペトロ、ユダ、ピラト、イエスを殺そうとする群衆らの他に、「シオンの娘」とか「信じる魂」とかいうソプラノが一人称単数や一人称複数で歌い、それがちょうど聴き手のスタンスと重なる。臨場感というより、登場人物になったような気がするのだ。

もうずいぶん前にバッハのヨハネ受難曲を聴いたとき、演奏の後で指揮者が音をおさえて、手で観客の拍手を制したのを見たことがある。キリストの受難を拍手してはいけない、という意味が伝わった。普通の演奏会ではない。霊的な意味がある。

ブロッケスでは、拍手できる。なぜなら、キリストの受難は我々が罪を赦されて天国を約束された喜びであるからだ。

しかもこのブロッケス受難曲、テレマンのものが最も優れていると言われるが、今回聴いたものはそのテレマン自身が、自分の作品だけでなくカイザーやヘンデルやマッテゾンのヴァージョンを自由に継ぎはぎした良いとこどりの「パスティチョ」と言われるものらしい。
世俗のオペラ座のために作曲するものではなく、宗教的文脈の中でだけ演奏されるために作られたものだから、著作権がどうのという感じの問題は起こりようがない。

いくらでも贅沢な作品を構成することができるというわけだ。

テレマンとヘンデルの共作なんて、信じられない。でもそれこそがこの曲の豊饒さの秘密なのだ。

こんな受難曲を聴いた後の復活祭の日曜日は、ローマの青い空と白い雲を背景にしたフランシスコ教皇の挨拶と全免償をテレビで聞く前に、アイルランドのスライゴのカテドラルのミサ中継を観た。
ヘンデルのハレルヤが高らかに歌われる。
先に退場した司教は、出てくる信徒の一人一人に握手している。
司教の手に接吻するシスターもいれば、差し出された手を無視する子供も、いやいや手を握る、明らかに養子らしい黒人の子供もいる。

ヴァティカンでは、グノーの行進曲とイタリア国歌、スイス人の衛兵にアルゼンチン人の教皇と、これもなんだか現実離れした光景が繰り広げられていた。

その後の番組が、今福者申請中のジョセフ・ヴレジンスキー神父だったのにも感銘した。それはまた別の時に書こう。イエスが復活してほんとうによかった。
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by mariastella | 2017-04-19 06:17 | 音楽

音楽とトランスと気持ちよさ

バッハのブランデンブルグ協奏曲第三番の第三楽章を相変わらず五パートで練習しているのだけれど、だんだんとテンポが上がってきて、今はほぼ、演奏会テンポ。前にも書いたが、「切れ目」というのがまったくなくて、トランス状態になりそう。特に隣り合う二弦の間を何度も高速で往復して弓を動かす心地よさは、擦弦楽器をやるまでは想像もつかなかった。

音楽とトランスについて前にバリ島のことを書いたけれど、速いテンポで繰り返しを含む曲を延々と弾いていたら、奏者は地に足をつけていられない。

でも、音符はきっちり追わなくてはいけないし指も腕も正確に動かすのだから、そして他のパートときっちり合わさなくてはならないから、トランスといっても、「あっちの世界に行っちゃっている」状態ではない。

私は結構こういうのが好きだって分かった。

前に、ラモーと「間」について書いたけれどラモーの場合は、言ってみれば絶えず何をどうするのか決断しなくてはいけない。
その「意志」が「間」をびっしり埋める。

ブランデンブルグを弾いていると、「決断」なんてしている暇はない。
曲に引っ張られる心地よさ。

こちらが絶えずクリエイトしなくてはならないラモーと比べて、やはりお手軽なトランスの楽しみがある。

ヴィオラをはじめて20年以上になるけれど、ボウイングの心地よさがくせになるのでやめられない。
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by mariastella | 2017-03-20 05:34 | 音楽

音楽はテロよりも強し、なのに…

音楽によるレジスタンス、人間の尊厳の証のシリーズ です。

第3弾です。前のはここここなど。




ロンドンに亡命しているクルド人のグループNishtiman (故国という意味)だ。

クルド人の故郷はイラン、イラク、トルコ、シリアにまたがる他、レバノンやアルメニアへ流れた人も含めて3千万人近くもいる。
ISと最も勇敢に戦っていることでも知られているが、実はあらゆる国から利用されている感じだ。

オジャランのロジャヴァ革命の女性の自由と平等、信教の自由など、クルドの理念は中東の希望の灯のように思える。

2012年に結成されたグループは、トルコ、イラン、イラクからの亡命者だ。
シリアのクルドはすでにパスポートもなく国を出られない状態だった。

シリアの故郷をテーマにした曲もある。

イスラムとマイノリティのキリスト教だとかいう以前に、二千年以上前からあるゾロアスター教とかミトラ神の信仰も喚起される。
2015年にIS軍の侵入に40日持ちこたえたコバナの町をタイトルにした新曲は、ゾロアスターの火の守護の川の化身である女性の勇気を称えたものだという。

演奏者としてもすぐれている彼らの曲を聴いていると、ああ、今はもう彼らは、絶対にアメリカには入れてもらえないんだなあ、と思いをはせてしまう。

すばらしい音楽の演奏家たちも「アメリカ・ファースト」の壁に遮られるのだ。

剣にも砲弾にも屈しないアートがナショナリズムに屈せられるのだとしたら、深刻さは重大だ。
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by mariastella | 2017-01-31 01:32 | 音楽



竹下節子が考えてることの断片です。サイトはhttp://www.setukotakeshita.com/
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